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Archive for July 6, 2013

“Manet. Ritorno a Venezia”, esposizione del celebre maestro a Venezia

July 6, 2013 Leave a comment
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L’opera pittorica di Manet è stata presentata in Italia in maniera così significativa soltanto in rare e sporadiche occasioni, e comunque mai a Venezia. Questa mostra colma così una lacuna ritornando sulle radici italiane del pittore, sull’impatto che i viaggi nella penisola esercitarono sulla sua arte e sul suo continuo voler confrontarsi con i maestri italiani.
La mostra esplora inoltre le ragioni e le conseguenze del “ritorno”, nel 1874, di Manet a Venezia, città che l’artista francese aveva scoperto venti anni prima. La necessità avvertita da Manet di compiere un viaggio in Italia qualche mese dopo la prima mostra impressionista, alla quale l’artista aveva rifiutato di partecipare, deve essere analizzata nell’ottica della nuova modernità parigina.
Pur non essendo una retrospettiva classica, la mostra Manet. Ritorno a Venezia permette di analizzare sia gli esordi che i successivi sviluppi dell’opera dell’artista, senza perdere mai di vista il suo forte legame con l’Italia. Questa retrospettiva pone altresì l’accento su un aspetto poco conosciuto e travisato dell’arte di Manet, troppe volte limitata all’influsso che la Spagna esercitò sull’artista.
Questo evento è stato realizzato grazie ai prestiti eccezionali del Museo d’Orsay, ma anche alle opere gentilmente concesse da numerose altre istituzioni francesi e internazionali e dai collezionisti privati.
24 aprile – 1 settembre 2013
Venezia, Palazzo Ducale

“Félicie de Fauveau. L’amazzone scultrice”, mostra della scultrice al Museo d’Orsay di Parigi

July 6, 2013 Leave a comment

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Félicie de Fauveau (1801- 1886) è un personaggio tanto rappresentativo quanto singolare. Nostalgica di un’epoca che non ha vissuto, monarchica, cattolica, nubile e femminista, questa scultrice ha dedicato la sua vita e la sua arte alla difesa di un’utopia politica che si esprime in primo luogo con un’immagine messa a servizio della Storia.
Fedele alleata della duchessa di Berry, La Fauveau, che assieme alla contessa de La Rochejaquelein era stata l’artefice delle insurrezioni vandeane, accettò l’esilio stabilendosi a Firenze. La de Faveau che fu l’artefice di un’iconografia cattolica militante ed esaltata, nutrita dalla simbologia araldica, attribuì a tale iconografia le forme di un neogotico e di un neorinascimentale ispirati. La maggior parte delle sculture realizzate da quest’artista sono sparpagliate per il mondo e poche sono quelle esposte e custodite in Francia. Questa mostra, organizzata da due musei, l’Historial de Vendée e il museo d’Orsay, è la prima retrospettiva dedicata a quest’artista.
Gli esordi della Signorina de Fauveau
Proveniente da una famiglia che nel 1740 aveva ottenuto un titolo nobiliare, Félicie de Fauveau apprende i rudimenti della pittura prima di restare folgorata dalla scultura a Besançon, città in cui, dopo un semplice scambio d’idee con un fabbricante di statue religiose, la giovane esclamò: “Ebbene, anch’io sono una scultrice”. A parte questa, la de Fauveau non riceve nessun’altra formazione in materia.
Dopo la morte del padre nel 1826, la famiglia si stabilisce a Parigi: la madre tiene un influente salotto in rue de La Rochefoucauld nel cuore del foyer artistico della Nouvelle Athènes e la bottega della de Fauveau è vicina a quella del pittore Ary Scheffer. Come i suoi contemporanei, la giovane Félicie legge Walter Scott, Shakespeare e Dante. Da autodidatta, approfondisce lo studio della storia, dell’araldica e dell’arte medievale, rendendo il suo amico Paul Delaroche partecipe delle sue scoperte.
La carriera della de Fauveau decolla grazie all’aiuto di alcuni suoi parenti molto legati a re Carlo X (1824-1830) e alla protezione dell’autorevole duca di Duras la cui figlia, Félicie de La Rochejaquelein, diventa amica dell’artista: le due omonime intrattengono sin da allora un rapporto fusionale che, nonostante la distanza tra le due, continua fino al decesso della contessa avvenuto nel 1883.
Per mantenere la propria famiglia e spinta senza dubbio da una profonda aspirazione, la de Fauveau “acquisisce professionalità” tanto da diventare la prima scultrice a vivere della sua arte. All’età di 26 anni esordisce al Salon con un colpo da maestro: la suaCristina di Svezia ottiene il plauso generale del pubblico che le procura una fama incontestabile e molto lavoro. Carlo X le commissiona alcune porte destinate al Louvre. Alla de Faveau è altresì affidato il tabernacolo della cattedrale di Metz (queste opere, però, non sono realizzate). Su sollecitazione del conte di Pourtalès inizia a lavorare alla Lampada detta di San Michele e al Monumento a Dante.
Alla vigilia della rivoluzione di Luglio, Félicie de Fauveau è una giovane e promettente artista parigina già affermata.
L’epopea vandeana
Nel 1830, allorquando Carlo X è costretto ad abdicare, decretando così la fine della Restaurazione, il corso della vita di Félicie de Fauveau cambia intrecciandosi in modo inestricabile con la Storia di Francia. Carlo X aveva designato suo erede il nipote Enrico, duca di Bordeaux ma è il duca d’Orléans, disposto a scendere a patti con i parlamentari liberali, a essere chiamato dalle Camere al potere assumendo il nome di Luigi-Filippo I.
Il ramo primogenito, erede legittimo dei Borboni discendente da Luigi XIV è destituito a beneficio del ramo cadetto. Sotto la monarchia di Luglio (1830-1848) Enrico d’Artois, pretendente al trono di Francia sostenuto dai legittimisti, da duca di Bordeaux diventa conte di Chambord ma, per i suoi sostenitori tra le cui fila milita anche Félicie de Fauveau, costui sarà sempre chiamato re Enrico V.
Nel 1831 la giovane scultrice raggiunge, presso il castello di Landebaudière, la contessa de La Rochejaquelein, sua amica e cognata del celebre generale fedele alla monarchia: il castello vandeano diventa allora il quartier generale dei cospiratori. Nonostante la produzione di oggetti propagandistici d’arte decorativa per i suoi compagni d’armi, questo periodo segna una svolta nella carriera della de Fauveau: l’artista atipica lascia, infatti, il posto all’affascinante eroina vandeana.
Fatta prigioniera, la de Fauveau resta in carcere per tre mesi.
Dopo la sua assoluzione, riprende per un breve periodo le armi in difesa della duchessa di Berry. Ricercata dalla polizia, è costretta all’esilio dal 1833. La de Fauveau resta per sempre segnata dall’epopea vandeana al punto da definirsi un'”amazzone” al servizio del suo “signore”, nel suo caso la contessa de La Rochejaquelein.
Firenze, rifugio e patria
Nel 1833, Félicie de Fauveau va in esilio nel paese che le ha dato i natali, la cattolicissima Italia dove resta fino alla fine dei suoi giorni nonostante l’amnistia del 1837. La sua vocazione la conduce a Firenze, ritrovo artistico e culturale ma soprattutto la culla dell’età aurea dell’arte italiana. Le sue opere sono oramai profondamente impregnate dell’arte medievale e di elementi rinascimentali il cui studio la appassiona profondamente.
Al suo arrivo nel capoluogo toscano, La de Fauveau, sebbene estranea all’ambiente artistico fiorentino, è ospitata dallo scultore Lorenzo Bartolini, stringe amicizia con il pittore Antonio Marini, appassionato come lei di Dante, e incontra gli artisti di passaggio. Con il fratello Hippolyte porta avanti, contemporaneamente alla scultura, il commercio di opere d’arte.
La sua bottega, addobbata di tessuti e tappezzerie per la visita di personalità prestigiose come il conte di Chambord o lo zar, è frequentata sia da collezionisti d’arte che da semplici curiosi. Tuttavia, nel 1840, nel periodo di massima attività, la bottega Fauveau impiega soltanto quattro sbozzatori che lavorano in prevalenza blocchi di marmo di piccole dimensioni.
Un legittimista intransigente
Tra le opere che le sono state commissionate, i ritratti, sia che abbelliscano il modello o che serbino il ricordo di un affetto, sono quelle meglio pagate e che consentono all’artista di procurarsi da vivere. La de Fauveau si piega a questa pratica, sostenuta dal suo innato pragmatismo: “I ritratti sono quanto di meglio ci sia nell’attività artistica e ciò che è pagato di più”. L’artista resta tuttavia fedele ai suoi principi, accettando soltanto le commesse provenienti dai suoi familiari, dagli stranieri di provata fede monarchica e dagli aristocratici francesi legittimisti che affollano la sua bottega. Di questi personaggi, l’artista realizza ritratti che mettono in luce uno status più che una psicologia, preferendo che l’altorilievo “parli” al tuttotondo.
La nobile origine dei suoi modelli è rivelata dalla presenza di stemmi araldici e il loro orientamento politico da iscrizioni e da simboli reali, ravvivati da policromia. Il ritratto del marchese Forbin des Issarts in forma di acquasantiera testimonia la fedeltà del vecchio paladino di Francia ai Borboni, mentre le figlie del duca di Rohan sono raffigurate in modo decorativo in un rinascimentale cuoio avvolto con fondo dorato.
Eccezioni alla regola, il fiammeggiante barone François Dudon dagli accenti barocchi e il visconte Brétignières de Courteilles presentano una disposizione più convenzionale.
La rinascita delle arti decorative
Ammiratrice di Benvenuto Cellini scultore e orafo rinascimentale, anche la de Fauveau si dedica alla scultura e alle arti decorative, “scultrice di statue, architetto e colorista al tempo stesso, intendendo l’arte come monumento, decorazione e professione”. Oltrepassando le frontiere tra le discipline e senza mostrare disprezzo per i piccoli oggetti della vita quotidiana, la de Fauveau progetta altresì daghe da cerimonia, cornici di quadri per il principe Anatole Demidoff, gioielli e pomi di bastone.
L’artista, però, non si piega alla ben retribuita ma banale produzione in serie: le sue opere, infatti, sono pezzi unici. Molto esigente nella scelta dei suoi collaboratori, la de Fauveau affida all’abile ed esperto Honoré Gonon la fusione a cera persa della Lampada di San Michele. Il talento arcaicizzante della de Fauveau appare in tutta la sua evidenza nella delicata policromia, la finezza, la preziosità e l’abbondanza dei dettagli: “Che labirinto questi pigmei”, scrive a proposito della campanella per la granduchessa di Russia, nella quale ha inserito un suo ritratto mentre modella una finestra e suo fratello Hippolyte che lavora alla campanella.
Principi e mecenati
Attratti dall’ospitalità del granduca di Toscana e dal clima mite, gli aristocratici europei confluiscono in massa a Firenze e non mancano di visitare lo Studio Fauveau. Fedele al suo ideale di monarchia per diritto divino, la de Fauveau lavora prevalentemente per quei mecenati che, nonostante la loro diversa confessione religiosa, collezionano santini.
Tra la sua prestigiosa clientela, i russi occupano una posizione di tutto rispetto. Dopo i lavori che le sono stati commissionati dalla granduchessa di Russia Maria Nikolaevna (1819-1876), la de Fauveau riceve incarichi anche da parte del padre, lo zar Nicola I (1796-1855) del quale approva il governo autocratico. Lo zar le fa visita nella sua bottega nel 1846 e le commissiona per la terrazza della reggia di Peterhof una graziosa Fontana con ninfa e delfino, che rappresenta un raro esempio di nudo nell’opera dell’artista.
Per la villa San Donato del principe Anatole Demidoff (1827-1891), Félicie e Hippolyte progettano decorazioni e ornamenti che valorizzano la sua sfarzosa collezione, come la base della statua Enrico IV da bambinodi François-Joseph Bosio.
La religione dell’anima
La de Fauveau è affascinata dal gotico e più in generale dall’arte religiosa del Medioevo, la cui purezza arcaica che chiama con il termine “primitivismo” si addice all’espressione dei suoi sentimenti religiosi. La sua profonda religiosità domina tutta la sua produzione artistica che comprende numerosi oggetti legati alla devozione privata.
L’artista innalza l’acquasantiera di casa, presente in gran numero nelle varie stanze, al rango di oggetto prezioso destinato alla sua ricca clientela. “Spero che il diavolo monti su tutte le furie alla vista di questa singolare serie” scrive alla contessa de La Rochejaquelein.
Il modello dell’Acquasantiera con angeloè elaborato ancor prima del suo arrivo a Firenze. Di fronte ad un edificio romano con due torrette, un angelo distende un’ala per proteggere la vasca d’acqua benedetta, sotto la quale nidificano uccelli e crescono piante acquatiche, il tutto è accompagnato da un verso del salmo 16 “Sub umbra alarum tuarum protege me”, “Proteggimi all’ombra delle tue ali”.
Per la principessa Sofia d’Arenberg, la de Fauveau progetta un modello di acquasantiera destinato all’adorazione della croce, portata da un angelo con le ali spiegate. E infine, l’acquasantiera di San Luigi si rivolge alla pietà dei cattolici legittimisti. Per quanto singolare possa sembrare, la de Fauveau ha realizzato soltanto un numero esiguo di oggetti per le chiese come il Cristo in croce di Saint-Aubin-de-Baubigné, “su una bella croce alla Giotto”.
13 giugno – 15 settembre 2013
Museo d’Orsay – Sale 8 e 9

“Light Park Floating Skyscraper”, skyscraper of Ting Xu and Yiming Chen

July 6, 2013 Leave a comment

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The rapid increase of population within the major cities around the world has led to poor development and serious urban design problems, including the lack of infrastructure, housing, and recreational areas. In Beijing, a large portion of the historic center has been demolished.
One way to make scarce green and recreation space available to residents of this crowded city is a skyscraper that floats above the land, taking new development to the sky. The Light Park stays afloat thanks to a large, mushroom cap-like helium-filled balloon at its top, and solar-powered propellers directly below. Programmatic platforms that host parks, sports fields, green houses, restaurants, and other uses are suspended from the top of the structure by reinforced steel cables; the platforms fan in different directions around the spherical vessel to balance its weight. These slabs are also staggered to allow for maximum exposure to sunlight on each level.
Translucent solar panels cover the top of the vessel to power the uses below, and water collectors, also located at the top, direct precipitation towards filters that send clean water throughout the structure.
Though it doesn’t completely solve Beijing’s serious traffic and overpopulation problems, the Light Park can return valuable green space to the public, and also help mitigate the pollution that comes with increased development – with parks and plants floating in the sky above the city, the air is partially cleaned.

Fonte: eVolo

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“I Macchiaioli 1850-1874. Impressionisti italiani?”, mostra al Museo dell’Orangerie di Parigi

July 6, 2013 Leave a comment

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Nella seconda metà del XIX secolo, tra i tavoli del caffè Michelangiolo a Firenze, i Macchiaioli, un gruppo di pittori tra le cui fila non militano soltanto esponenti toscani ma anche artisti provenienti da svariate città italiane da Venezia a Napoli, danno vita a un movimento che si oppone alle convenzioni accademiche.
Chi sono veramente i Macchiaioli il cui nome è intraducibile in lingua francese? Il nome “macchiaioli”, usato per la prima volta in senso dispregiativo in un articolo sulla Gazzetta del Popolo del 1862 in cui i pittori toscani sono accusati di ridurre il quadro a un semplice abbozzo, fu successivamente adottato dal gruppo stesso. Questi artisti, rompendo con il classicismo e il romanticismo imperanti e rinnovando così la cultura pittorica italiana, donano alla stessa un nuovo respiro. Questi artisti sono pertanto considerati come i promotori della pittura moderna italiana.
Il museo d’Orsay, che si prefigge di mostrare la magnificenza della pittura della seconda metà del XIX secolo, aveva il dovere di far conoscere al suo pubblico uno dei movimenti più poetici di questo periodo e che presenta molte affinità con le ricerche plastiche condotte dagli artisti impressionisti.
Questo tipo di pittura esercitò un influsso fondamentale sui registi italiani del calibro di Luchino Visconti e Mauro Bolognini che trovarono in questo genere un’ispirazione iconografica e un linguaggio particolare dell’immagine.
10 aprile – 22 luglio 2013
Parigi, museo dell’Orangerie

“Polar Umbrella Buoyant Skyscraper”, super-structure for the prevention of future depletion of Derek Pirozzi

July 6, 2013 Leave a comment

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Polar Umbrella Buoyant Skyscraper Protects and Regenerates the Polar Ice Caps
During the last decades of global warming, the polar ice caps have experienced a severe rise in temperature causing the northern and southern ice shelves to become thin, fractured, and melt into the ocean. Rebuilding the arctic layers is the primary objective of this proposal which cools down the Earth’s surface by reducing heat gain in vulnerable arctic regions.
The Polar Umbrella’s buoyant super-structure becomes a statement for the prevention of future depletion of our protective arctic region. Through its desalinization and power facilities, this arctic skyscraper becomes a floating metropolis equipped with NOAA (National Oceanic and Atmospheric Administration) research laboratories, renewable power stations, dormitory-style housing units, eco-tourist attractions, and ecological habitats for wildlife. A series of these structures would be strategically located in the most affected areas.
Salt water is used to produce a renewable source of energy through an osmotic (salinity gradient power) power facility housed within the building’s core. In addition, the structure’s immense canopy allows for the reduction of heat gain on the arctic surface while harvesting solar energy. The umbrella’s thermal skin boasts a series of modules that are composed of a polyethylene piping system that pumps brackish water. Finally, the Polar Umbrella also regenerates the ice caps using harvest chambers that freeze the ocean water.

Fonte: eVolo

Categories: Architectus Tags:

“Stratosphere Network of Skyscrapers”, modern skyscraper of Mingxuan Dong, Yuchen Xiang, Aiwen Xie, Xu Han

July 6, 2013 Leave a comment

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As technological innovative and higher latest skyscrapers can be, they still need to rely on the support to the ground. So a higher heights usually means more unstableness as well as weaker capacity to resist disasters.
The project proposes a mega hex grid that evolves around the earth circumference at a stratosphere heigh, the principle that support this hypothesis is that it seem to be that in a building the larger the span is, the scale and the unstableness will proportionally increase. But if the span is large enough within the scale of the earth, the unstableness brought by the size decreases inversely. In this case the network of buildings and bridges connected to each other, covering the entire circumference of the earth, will no longer need structural ground support and can be suspended in the air by the effect of the earth gravity. The elevated bridges and buildings that relate the grid can reach any height with out worrying about overturning, earth-quakes, floods and any other natural disasters.
The earth needs to find a environmental balance. As human over-used the resources the earth is being heavily damaged, eventually approaching to a point in which the earth will be unsuitable for human living.
The modern skyscraper has represent for years the modern urban ideal. But in a non far future the booming population increase will be a catastrophic, being the stratosphere grid the only platform for ensure the continuity of human civilization.